Archivo de diciembre, 2012

El viaje a ninguna parte (Fernando Fernán Gómez, 1986)

Reseña de Laura Aparicio:

Antes de comenzar, he de mencionar la necesidad de desvelar el final de esta historia durante el desarrollo de mi tesis. Es una película de 1986,  una adaptación de la novela del propio Fernando Fernán-Gómez de 1985 que tiene el mismo título. Lo que comenzó como una serie radiofónica que llevó a cabo el mismo autor,  después fue adaptada a novela y, finalmente, se llevó al cine. Fernando es el director, guionista y tiene un papel secundario en este largometraje.

Encontramos la historia de un grupo de cómicos de la legua en la posguerra. Unos cómicos que viajaban a diferentes localidades españolas representando obras distintas en cada ocasión para los pueblerinos. La relación que les une a la mayoría es familiar, donde encontramos a Don Arturo (Fernando Fernán-Gómez) actor de teatro y a su hijo Carlos Galván (José Sacristán) como núcleo de esta compañía. A través de esta historia podemos conocer el mundo del teatro, donde empezar no era fácil. Además, rivaliza con los “peliculeros” que también se movían de forma nómada promoviendo el cine y proyectando películas cuando la sociedad española comenzaba a mostrar más interés por este arte. Todo es narrado por el propio Carlos Galván que, ya mayor, vive en una residencia y se reúne cada miércoles con un terapeuta para contarle sus recuerdos. Las interrupciones y los cambios de historia que se producen por los desvaríos de la memoria de Galván la hacen más dinámica y entrañable[1].

Es importante destacar que el teatro es una pieza fundamental en esta obra, sobre todo en la primera parte de la película donde se centra en esa compañía de cómicos que hemos mencionado antes. En esta primera parte podemos apreciar la importancia del teatro para los personajes, conocemos como preparaban los atrezos, las representaciones y cómo tenían que vivir con lo poco que ganaban con ello. A través del teatro también nos muestra la realidad social rural de España en la posguerra.

Comencemos por conocer al autor, director, guionista e intérprete de esta obra. Fernando Fernán-Gómez fue hijo de la actriz Carola Fernán-Gómez, nació en Lima y se nacionalizó en Argentina. Sin embargo, vivió toda su infancia en Madrid, adquiriendo también la nacionalidad española. Vivió la Segunda República, la guerra civil española y la posguerra[2].

Es evidente que su fascinación por el teatro ha estado presente durante toda su vida, aunque él reconocía que comenzó gracias a las películas de Hollywood. También reconocía en varias entrevistas que ha recibido siempre mucha influencia del neorrealismo italiano.

Todas estas vivencias de la historia de España están presentes en sus películas. Hay quien describe el cine de Fernando Fernán-Gómez de la siguiente forma, “En definitiva, puede postularse como nuclear e hipotético punto de partida que en el cine dirigido por Fernando Fernán-Gómez se funden de manera única y peculiar todos y cada uno de los elementos que singularizan únicamente nuestro cinema, haciendo de él un territorio en extremo rugoso y abrupto, poblado de asperezas textuales y rupturas del relato, de heridas y reflexividades.”[3]. El viaje a ninguna parte es prueba de ello, en este film encontramos la amargura entrelazada con lo cómico y, todo ello, enmarcado en la sociedad de posguerra rural que era parte de la realidad española de entonces. El mismo Fernando reconoce en una entrevista para Tve sobre esta película, que pretendía que fuera cómica pero también amarga. Quería mostrar las dificultades por las que tenía que pasar los actores cómicos que se iniciaban en el teatro y no tenían la suerte de triunfar. Además, los desvaríos de Galván hacen dudar al espectador de si los logros que él narra son verdaderos o frutos de la imaginación de un hombre que ha intentado durante toda su vida dedicarse a aquello que ha deseado y que ha disfrutado como es el teatro.

Muchos han creído que esta película es autobiográfica, pero el propio autor afirma en multitud de entrevistas que nada tiene que ver con su biografía, ya que él ha tenido más suerte de la que tienen los personajes en esta historia[4]. Pero sí puede apreciar en este largometraje la afición y el gran interés que tenía Fernando por el teatro y la predilección por rodear de realidad social a sus historias. “Sabedor del tronco común, sanguíneo y profundo, que unía al sainete teatral y a la zarzuela con el pueblo madrileño al que se enorgullecía de pertenecer, nada podía parecerle más lógico y apropiado que utilizar este fecundo tronco escénico como punto de partida para construir un cine español propio y económicamente sólido.”[5]

Fernando Fernán-Gómez ha sido un gran amante del teatro, ha sido autor y director de varias obras teatrales escritas por él mismo. Fue el creador de una muy destacada por su versión cinematográfica dirigida por Jaime Chávarri, Las bicicletas son para el verano. El viaje a ninguna parte nos muestra claramente cómo era el mundo del teatro en una España de posguerra donde el cine comenzaba a ser una gran competencia. Ha sido espectador de este arte desde pequeñito y la obra que recuerda con cariño es aquella que comparte ciertas características con la historia de la película. También era madrileñista y costumbrista[6]. Se podrían diferenciar en que El viaje a ninguna parte está envuelto en un ambiente más amargo y no goza de tantos momentos cómicos. Esta claro que el teatro tiene un papel esencial a la hora de la creación del guion y que el autor se ha basado en sus experiencias con este para crear esta obra sin ser autobiográfica ni una versión de otra que ya haya disfrutado.

En la primera parte de la película nos presenta a una compañía de cómicos de la legua. Fernando describe a la perfección esta vida y nos enseña cómo era el teatro en aquella época. En su libro “Puro teatro y algo más”, Fernando nos enseña su punto de vista sobre los diferentes aspectos del teatro y el cine. En el habla de las que el llamaba compañías de repertorio[7], con las que identificamos a la de la película, compañías que no tenía un repertorio fijo. Además, la compañía protagonista no gozaba del éxito y no actuaban ni siquiera en teatro de verdad. A través de los personajes encontramos los diferentes tipos de actores que se podrían encontrar en las compañías de la legua. Don Arturo representa al antiguo teatro donde las técnicas de interpretación eran muy distintas y una muestra de ello es la cómica escena donde consigue un papelito en una película. Carlos Galván sería el teatro de esa actualidad más consciente del cambio que supone el cine pero con un gran amor por el teatro de toda la vida. El propio José Luis Castro de Paz en su libro “Fernando Fernán-Gómez” describe el cine de este director como él mismo lo describía, realista[8]. Realista es la visión del teatro en una época en la que la sociedad pasaba hambre y más los actores que no triunfaban en el teatro ni en el cine, muy pocos lo conseguían como reconoce en varias entrevistas de televisión, que se nos muestra en este largometraje.

Aunque Fernando no ha vivido una experiencia como la que nos muestra en la primera parte de la película, la de los cómicos de la legua, la historia es muy realista y consigue hacer llegar ese punto de vista, esa otra forma de vida.

Durante una entrevista con Enrique Brasó[9], descubrimos aspectos muy interesantes sobre esta película. Fernando Fernán-Gómez repite varias veces, en las diferentes descripciones de la historia, itinerante y la inseguridad del trabajo de actor. En ella también nos habla de la locura de Carlos Galván que cree haber triunfado, aunque no fue así. Sin embargo, el espectador se queda con esa duda de si era su imaginación o realmente ha pasado. La clave se encuentra en que comienza con la primera parte, que sí es parte de su vida, y va desvariando. Por otro lado, también habla del carácter amargo de la película debido al deseo de triunfo del personaje y a la frustración debido a la imposibilidad de este causado por el ambiente en el que se mueve, que no es el adecuado.

Todo lo mencionado anteriormente sobre las dificultades a las que se enfrentaban estos actores llega al espectador a través de los flashback de Carlos Galván. A través de este personaje el autor consigue hacer llegar esos sentimientos de frustración y desilusión sobre aquel amor a un oficio que no resulta como se querría. El relato que nos hace nos trasmite “el vacío, la carencia, el agujero negro desesperadamente tapado por el “yo triunfador” cuando lo real hiere demasiado,…”[10]. La amargura y la comicidad son los principales elementos a los que recurre Fernando para construir una historia sobre el teatro. En numerosas entrevistas menciona ser afortunado por pertenecer a esos pocos que destacan y consiguen el triunfo en la interpretación, de haber vivido esos tiempos de hambre de posguerra, el haber pertenecido en su nacimiento al mundo del teatro y el respeto por todos aquellos que hicieron teatro por amor al teatro, y son los elementos que enriquecen esta obra.

En definitiva, El viaje a ninguna parte nos abre las puertas al mundo del teatro donde las locuras, el sin sentido, el humor y el sueño de conseguir el triunfo dentro de ese mundo difícil eran parte de muchos actores y actrices que tenían vocación por ello.

 

 

BIBLIOGRAFÍA

CASTRO DE PAZ, José Luis: “Fernando Fernán-Gómez”. Ed. Cátedra. Colección Signo e Imagen. (Madrid, 2010)

FERNÁN-GÓMEZ, Fernando: “Puro teatro y algo más”. Ed. Alba Editorial, s.l.u. (Barcelona, 2002)

BRASÓ, Enrique: “Conversaciones con Fernando Fernán-Gómez”. Ed. Espasa. (Mdrid, 2002)

 

WEBGRAFÍA

www.cinehistoria.com

“El viaje a ninguna parte” Tomás Valero Martínez

http://www.cinehistoria.com/el_viaje_a_ninguna_parte.pdf

www.imdb.com

 “El viaje a ninguna parte”

http://www.imdb.es/title/tt0090259/

“Fernando Fernán-Gómez”

http://www.imdb.es/name/nm0273178/

www.wikipedia.com

“Fernando Fernán-Gómez”

http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_Fern%C3%A1n_G%C3%B3mez,

“El viaje a ninguna parte”

http://es.wikipedia.org/wiki/El_viaje_a_ninguna_parte_(pel%C3%ADcula)

 

Laura Aparicio, diciembre de 2012.



[1]La primera edición de los premios Goya se celebró ese año y El viaje a ninguna parte fue nominada a mejor película, mejor director, mejor guion, mejor montaje y mejor maquillaje y peluquería. Fernando Fernán-Gómez no quiso acudir a la gala porque decía que lo pasaría muy mal esperando al veredicto, sobre todo después de la fría acogida que tuvo la película en su estreno. Sin embargo, luego se arrepintió ya que ganó el Goya a la mejor película, mejor director y mejor guion. Además, ganó el Goya al mejor actor por la película Mambrú se fue a la guerra que estrenó ese mismo año.

[2]Después de la guerra, Fernando Fernán-Gómez entra en la compañía del Teatro de la Comedia. A través de esta compañía el director Gonzalo Pardo Delgrás se fija en él y le incorpora al reparto de Cristina Guzmán.

[3]CASTRO DE PAZ, José Luis: “Fernando Fernán-Gómez” (Madrid, 2010). Fragmento del Capítulo I.

[4] En casi todas las entrevistas sobre esta película, Fernando afirmaba que, al contrario de lo que se pudiera pensar, no era una historia autobiográfica y lo repitió en muchas entrevistas argumentando que, de hecho, su suerte fue muy distinta como hemos mencionado en una nota anterior sobre su paso en la compañía del Teatro de la Comedia.

[5] CASTRO DE PAZ, José Luis: “Fernando Fernán-Gómez” (Madrid, 2010).

[6] FERNÁN-GÓMEZ, Fernando: “Puro teatro y algo más” (Barcelona, 2002) “La obra, por lo que ahora puedo recordar, era una comedia costumbrista, madrileñista, ceñida a la costumbre de los tres actos y un máximo de tres decorados. El público lo pasaba en grande, sólo dejaba de reír en las breves escenas de una levísima intriga amorosa.”

[7] FERNÁN-GÓMEZ, Fernando: “Puro teatro y algo más” (Barcelona, 2002) “El sistema era el de compañías de repertorio. Aunque lo cierto es que esta denominación no era muy utilizada y la empleo yo ahora para entendernos; con más precisión, eran “compañías itinerantes”, pues no solían representar en un solo teatro de determinada ciudad, sino que se desplazaban constantemente.”

[8] CASTRO DE PAZ, José Luis: “Fernando Fernán-Gómez” (Madrid, 2010). “Este cine popular y “mal hecho” –y, como el propio Fernando Fernán-Gómez declararía muchos años después, formalmente más próximo a la vida española y, por ello y en cierto sentido, más “realista”-…”

[9] BRASÓ, Enrique: “Conversaciones con Fernando Fernán-Gómez” (Madrid, 2002). En esta obra encontramos un capítulo dedicado a una entrevista sobre esta película donde podemos conocer todos los aspectos tanto internos como externos de la película que nos termina de enseñar la importancia que el autor le da al teatro en este film.

[10] CASTRO DE PAZ, José Luis: “Fernando Fernán-Gómez” (Madrid, 2010). 

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La historia oficial (Luis Puenzo, 1985)

Reseña de Maritzli Ibanez:

Luis Puenzo es un director argentino nacido en 1946 en Buenos Aires. En 1968, crea una compañía de producción llamada “Luis Puenzo Cine”, junto a Sergio Tamburri[1]. Rodó las películas: Luces de mis zapatos (1973), Gringo Viejo (1989), La Peste (1992), La Puta y la Ballena (2004) y La Historia Oficial. La Historia Oficial fue estrenada en 1985. Luis Puenzo la realiza junto a Aída Bortnik[2].  La película se sitúa en el periodo de “el cine de retorno a la democracia” que existió entre los anos 1984 y 1989[3]. Esa película fue muy premiada. Obtuvo, por ejemplo, un premio en el Festival de Cannes y el Oscar de la Academia de Hollywood de 1986 a la mejor película extranjera. “No sólo es una obra maestra, una película modélica, de progresión dramática implacable, de inaudita combatividad y de firme compromiso político. Es también una película que desborda emotividad y lirismo…”.[4] La actuación de Norma Aleandro es excepcional y fue muy felicitada. La Historia Oficial marcó “un antes y un después en el cine argentino, porque a partir de su argumento, mucha gente comenzó a indagar y a preguntarse acerca de la identidad de niños que fueron arrancados de sus familias biológicas durante la última dictadura militar”.[5] Nos narra la historia de una familia argentina durante la última dictadura militar[6]. Entre los años 1976 y 1983, el país sufre de lo que se ha llamado “El Proceso de Reorganización Nacional”[7] y vemos a Alicia, Roberto y Gaby evolucionar en estos momentos históricos.  Vivimos los acontecimientos nacionales como las manifestaciones de las Madres de la Plaza de Mayo[8] y a las adopciones de hijos de desaparecidos[9] con los ojos de Alicia, la protagonista.

En esta obra, lo que más me interesa es la intrahistoria a la cual asistimos; el hecho de que todas las historias se mezclen. Notamos a lo largo de la película como lo público penetra lo íntimo y como lo íntimo se convierte en público. O sea, como se intercambian o se interaccionan  la historia nacional y la historia personal, mezclándose a la historia oficial que Alicia enseña en el instituto.

En la literatura, el concepto de Intrahistoria nace con Don Miguel de Unamuno, en 1895. La Intrahistoria es la verdadera historia, la realidad,  lo que se esconde detrás de varias cosas. Toma el ejemplo del mar. Y explica que “la superficie del mar es a la historia, como el resto del mar (en realidad, el verdadero mar) es a la intrahistoria (o verdadera historia)”.[10]  La Intrahistoria designa la vida normal que se utilizaría como una decoración a la historia más visible. Para tomar otro ejemplo, Don Miguel de Unamuno compara la ”Historial Oficial” (la gran historia), la que sale en la prensa, con la Intrahistoria que designaría todo lo que pasa pero de la cual no se habla en los periódicos. Eso es el sentido que le da la Real Academia Española a la palabra intrahistoria.

Es lo que ocurre en Historia Oficial. Tenemos que ver más allá de Alicia que busca la identidad de Gaby, mas allá de la madre que busca la identidad de su hija, tenemos que ver que Argentina entera busca  a sus hijos. En esa película, existen tres historias diferentes: la historia personal, la historia nacional y por supuesto, la historia oficial (solo tiene fundamentos a través de los abusos, de las mentiras y de la violencia de un régimen inicuo). Paradójicamente, la historia oficial es la que aparece menos en la película (no se sabe nada de las clases que Alicia pudo dar antes) pero todos en el en torno del esposo de Alicia tratan de mantenerla y siguen contando mentiras cuando su mundo esta derrumbándose. La película empieza con ella. Es de notar que se abre con los alumnos que cantan el himno nacional y que la cámara  va acercándose  hasta que entramos en el aula con Alicia que va a empezar una clase, pero solo pone la fecha y no se conoce el contenido de su enseñanza. La historia nacional está omnipresente, es una presión invisible, pero muchas veces escondida. No se nombran los dirigentes, tampoco se cuentan acontecimientos precisos. Pero  nosotros adivinamos a que se refiere. Y Sentimos una inquietud difusa. Algunos personajes como Roberto Ibáñez y sus colegas comprometidos con el régimen y con sangre en las manos tratan de disimular la historia nacional y de mantener su mundo tal como lo organizaron.  Algunos otros como Alicia no están al corriente y no conocen esa historia o no quieren conocerla y por fin otros, como Ana, que lo saben todo pero solo empiezan a poder contar la realidad tal como fue. Pero todos están relacionados con la historia nacional de Argentina y en ella se diferencian.  La historia personal, íntima, es la que más presente está. A lo largo de la película, aprendemos a conocer a cada personaje. Y cada uno  va con su historia. Todos los protagonistas tienen historias personales opuestas. Cuando nos enteramos realmente de lo que es cada personaje es el momento en el que  la Intrahistoria entra en la película. Hay algunos momentos claves en la película en los que la intrahistoria toma todo su sentido.

A varios momentos, entendemos que hay algunas cosas que no se han dicho y que las historias y los pensamientos de los personajes difieren.
En la escena del baño de Gaby, Puenzo nos da una primera señal; una advertencia de que  algo raro hay en esa  escena familiar e intima Nace una especie de angustia pero no sabemos porque. La letra de la canción de la niña es simbólica: “En el país de no me acuerdo”. No por nada esa niñita esta cantando que se le perdió la memoria. Eso es intrahistoria.
Luego, más tarde, vemos a la pareja en el restaurante con unos amigos, principalmente de Roberto. Una de las señoras empieza a hablar de bebes, de parto y de las semejanzas entre padres e hijos. En seguida Alicia se siente mal y entendemos que es un sujeto raro del cual no le gusta hablar pero todavía no sabemos porque. En este pasaje, no tenemos que contentarnos con lo que se ve. Es el otro signo de Intrahistoria.
Luego, en el minuto 12 asistimos  a la clase del profesor de literatura. No parece para nada convencional y bromea sobre el hecho de que Alicia enseñe la Historia Oficial. Sospechamos que la historia personal del profe de literatura es diferente. Es en esta escena  que notamos la inocencia y la ingenuidad de Alicia. Para ella, la historia que enseña es la única historia. Ni siquiera se pregunta si puede haber otra o si existe algunas cosas más que las que enseña. No sabemos todavía si piensa realmente eso o si no quiere saber. Ella estaba muy lejas de imaginarse todo lo que podía estar escondido por las autoridades del país. Y cuando entendió  que había mucho más de lo que contaba, le fue difícil admitirlo y le dolió muchísimo tanto a nivel moral como en su propio cuerpo.
Una de las escenas siguientes se desarrolla en un restaurante. Alicia come con sus amigas y vuelve a encontrarse con una antigua amiga suya, Ana, a quien no vio durante siete años. En esta cena, nos damos cuenta de la diferencia entre Ana y las otras  mujeres. Nada se dice a las claras, todo está sobrentendido. En las réplicas de Alicia, notamos que ella no es como sus “amigas”. Sus amigas hablan de una persona que tuvo que irse a Brasil hasta ahora:[11]“Si se lo llevaron, por algo habrá sido, ¿no?”, los espectadores empiezan a entender que se habla de un exilio. A eso, Alicia contesta “Aie, ¿pero de que están hablando?”. O cuando una dice, a propósito de un conocimiento: “El único hijo que le quedaba”, Alicia contesta “¿Por qué, que le paso a los otros?”. Alicia revela su ingenuidad se paso los últimos anos, los de la dictadura, sin darse cuenta de nada, sin saber lo que ocurría cerca de ella. La historia Oficial impuso el secreto pero el espectador sabe que las amigas están hablando de los desaparecidos de los hijos que se robaron a los militantes o de los exiliados. Pero Alicia parece ser la única persona que no entiende de que se habla. Está realmente en su mundo de la historia que enseña  y no se le ocurre que puede haber otra cosa.
En el minuto 24, Ana empieza a contarle a Alicia, pasando de las risas a los llantos, como la torturaron. Es un momento muy emocionante, los recuerdos de Ana son muy duros. Y vemos, en la cara de Alicia que le parece increíble. Al principio ni siquiera entiende. No sabía nada de estos métodos de tortura, de la electricidad, del ahogo y no se imaginaba que horrores iguales podían existir y sobretodo pasarle a una amiga suya. Su ingenuidad es insensata. Parece tan ingenua cuando le pregunta porque no hizo una denuncia que nos preguntamos como ha podido pasar esos años negros sin comprender nada.
En el minuto 37 asistimos a otro momento muy especial. Estamos en la casa de Alicia y de Roberto y es el cumpleaños de los 5 años de Gaby. Roberto no está, pero están los amiguitos de Gaby. A un momento, Gaby está solita en su habitación, jugando con unas muñecas y llegan 4 chicos con pistolas y armas, gritando y disparando. A Gaby, le dan mucho miedo. Y ella se pone a gritar, protegiendo a  su muñeca en sus brazos. Tenemos la impresión de asistir a una amalgama entre el papel de su madre y el suyo. Como si Gaby volviera a vivir una escena que hubiera vivido antes y que hubiera ocurrido a su madre bilógica. Esta escena familiar de la historia intima, es una transposición de lo que pudo ocurrir en la vida nacional. Esa niñita atemorizada, no es más que un símbolo de lo que vivió su madre biológica y con ella tantas madres torturadas a quienes se les quitaron los hijos antes de que fueran asesinadas.
En el minuto 45 Alicia, llega en el centro de Buenos Aires y asiste a una manifestación de las Madres de la Plaza de Mayo. Vemos en su cara que se está descomponiendo. Se da cuenta de que esta realidad no es la historia que enseña.
En cuanto a su marido se va de viaje de “negocios”, Alicia empieza a investigar en los hospitales y con los médicos  para saber de donde puede venir su hija. Va a encontrarse con una abuela que está buscando a su nieta. Las dos van a ser amigas y van a ir buscando juntas. A medida que están buscando, la abuela le anuncia a Alicia que Gaby puede ser su nieta. Le explica que a su hija la detuvieron con su bebe y que Gaby  no puede ser nadie más que una hija de desaparecidos… Al mismo tiempo que Alicia va enterándose de la historia nacional va descubriendo pedazos de su historia personal. No conocía nada, no sabia nada pero finalmente todo se mezcla y le aparece a las claras. Comprende como Roberto trajo a Gaby en casa y comprende lo que se hizo con los hijos de todos los desaparecidos, comprende lo que hizo su proprio marido con los hijos de desaparecidos. Se da cuenta de que su mundo personal anterior no era el mundo real sino, una ilusión.  Es un momento en el que la intrahistoria está muy presente.

A medida que Alicia va creciendo y va caminando hacia la luz, Roberto, va poniéndose cada vez más malo y más negro. Es un cambio radical. Lo notamos por primera vez, en 1h09 cuando están comiendo en casa de sus padres y que empiezan a enojarse. Roberto está en oposición con todo el resto de su familia. Y como los horrores del régimen empiezan a conocerse, Roberto está asimilado a estos hombres. Su personaje culmina con la escena de tortura, unas de las últimas escenas de la película. En sólo algunos minutos revela el hombre que ha sido durante toda la película pero a quien Alicia no conocía. En un segundo, cae la mascara y pasa del esposo al verdugo mas cruel. Tortura a Alicia con violencia salvaje. Se ve que está acostumbrado a hacer eso, actúa de manera mecánica, natural. Le pilla los dedos en las puertas, Alicia grita y Roberto no para, hasta que Gaby llame por teléfono. ¿Qué hubiera pasado si no hubiera sonado el teléfono? Esa escena no es una escena de violencia conyugal tradicional. No le pega como un hombre furioso y fuera de si, la tortura como lo hacían los torturadores de la Junta. Aun si Alicia ya se había enterado de lo que pasaba en su país no podía concebir que su marido fuera una de esos monstruos al poder. La Historia nacional entró en su vida con la violencia mas extrema y convirtió su mundo en pesadilla. La historia nacional y su historia personal eran similares.

Para concluir, podemos decir que gracias a su hija, Alicia va a construir su historia personal de ciudadana. Gracias a Gaby va naciendo poco a poco y se abre al mundo. Ya lo sabe todo de la historia nacional. Adivinamos que va a participar a las manifestaciones de las Madres de Mayo y va a luchar para eliminar su historia oficial. Para ella, esa historia ha muerto cuando dejó  a su marido. Desde ahora va a construir su historia libre. No sabemos con certeza lo que va a hacer con Gaby pero claro está que su abuela biológica formará parte de su historia. Gaby puede ser el lazo entre la oscuridad del pasado y la luz del porvenir.

Podríamos analizar muchas escenas de esta película. Es una película muy simbólica que permite aclarar zonas sombrías de la tragedia argentina.  Todo lo que vemos lo podemos sentir, nos emociona, nos conmueve pero también nos permite reflexionar. Ya lo dijimos las historias se mezclan y algunos de los personajes renacen. El tema delas dictaduras es un tema conocido en las películas pero la particularidad de esta es que  nos enteramos de todo con los ojos de Alicia.
A mí, es un tema que me emociona particularmente. Mi padre es chileno y se vino con mis abuelos a Francia como refugiados políticos huyendo de la dictadura de Pinochet[12]. Pocas diferencias hay entre lo que ellos vivieron (miedo, tortura, encarcelamiento y exilio).  Y por eso yo quiero seguir aprendiendo lo que ocurrió realmente porque es mi deber de memoria y porque es mi intrahistoria y mi historia de ciudadana, para que nunca más se produjera.

 

 

Referencias:

Libros:

 

ROZAS, Juan Manuel: Intrahistoria y Literatura. Universidad de Salamanca, cursos internacionales, 1980.

MARANGHELLO, César: Breve historia del cine argentino. Laertes S. A . de Ediciones, 2005.

JAKUBOWICZ, Eduardo y  RADETICH, Laura: La historia argentina a través del cine: las “visiones del pasado” (1933-2003). Buenos Aires: La Crujía, 2006.

OSORIO, Elsa: A veinte años, Luz. Siruela Nuevos Tiempos, 2008.

Artículos periodísticos:

Articulo de archivos, El País, 3 de febrero de 1986.
Articulo de archivos, El País, 31 de marzo de 1986.
Articulo de archivos, El País, 7 de agosto de 1989.

Articulo de archivos, ABC, 16 de abril de 2004.

Revistas:

Dirigido por, Octubre 1989 (Revista numero 173), Paginas 33-37.

Paginas Web:

http://www.filmaffinity.com/es/film986932.html

http://www.segundoenfoque.com.ar/historia_oficial.htm

http://www.losguionistas.com.ar/modules.php?op=modload&name=News&file=article&sid=163

http://www.me.gov.ar/efeme/24demarzo/dictadura.html

http://www.elsaosorio.com/

Maritzli Ibanez, diciembre de 2012.



[1] Editor de cine y trombonista de la banda de jazz famoso Porteña.

[2] Guionista y escritora argentina, nacida en 1935. “La Historia Oficial” se basa en un libro suyo.

[3] MARANGHELLO, César: « Breve historia del cine argentino ». Laertes S. A . de edición, 2005, Índice.

[4] Miguel Ángel Palomo en el Diario El País.

[5] Miguel Pereira, el presidente del festival de Mar del Plata

[6] El 24 de Marzo de 1976 se produjo el Golpe de Estado Argentino, que marco el principio dela dictadura. En 1983 volvió la democracia.

[7] “Proceso de Reorganización Nacional” es el nombre con el que se autodenominó la dictadura militar. La Junta de Comandantes designó a  Jorge Rafael Videla como presidente de facto.

[8] Las Madres de la Plaza de Mayo es una asociación de las madres argentinas cuyos niños han desaparecidos, o fueron asesinados durante « La Guerra sucia ». El nombre viene de una plaza Argentina; la Plaza de Mayo.

[9] Los desaparecidos son victimas del régimen que fueron secretamente arrestados, torturados y luego matados, en Argentina durante « La Guerra Sucia ». Sus cuerpos eran enterrados en tumbas desconocidas. Además del secuestro de adultos, hubo un plan sistemático de apropiación de niños. Los niños robados o que las madres daban a luz en los centros de detención fueron inscriptos como hijos propios por muchos miembros de la represión, vendidos o abandonados en institutos.

 

[10] ROZAS, Juan Manuel: Intrahistoria y Literatura. Universidad de Salamanca, cursos internacionales, 1980, página 12.

[11] Estamos en marzo de 1983, la democracia esta por volver. Se empiezan a saber algunos de los horrores que ocurrieron durante los últimos años por algunos exiliados que vienen. Para los colegas de Roberto, las cosas cambian y se ponen malas.

[12] El régimen militar de Augusto Pinochet dirigió el golpe de estado que derrumbó a Salvador Allende el 11 de septiembre de 1973 .El régimen duró hasta el 11 de marzo de 1990.

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Los amantes del Círculo Polar (Julio Medem, 1998)

Reseña de Marta Comas:

Cuarto largometraje del cineasta vasco Julio Medem que dedica a su padre y tiene cierto cariz autobiográfico, con claras referencias a sus antecedentes familiares alemanes y al celebre bombardeo de Guernica. [1]

El gran reto narrativo planteado por Julio Medem en su  película, Los amantes del Circulo Polar, reside, precisamente, en la naturaleza singular de su propio relato, configurado como una inmersión en el gran misterio del tiempo y de la memoria, como una indagación en los círculos concéntricos formados por dos miradas que se encuentran en el umbral mismo de la muerte. [2]

Se trata de un film en el que el amor dramático de dos jóvenes hermanastros sufre una serie de acontecimientos desde que se conocieron a los 8 años hasta su rencuentro en Finlandia. Los protagonistas, Otto y Ana, componen un trama circular que cruza sus vidas de casualidades y sucesos, como la muerte del padre de Ana y el fallecimiento de la madre de Otto. Sus caminos se separan cuando Otto consigue trabajo de piloto y Ana  se muda a Finlandia.

Para justificar las evidentes claves ocultas y las casualidades no tan evidentes tenemos que tener en cuenta  los análisis descriptivos de numerosos expertos. Esta película es un transparente y, quizás, doloroso exorcismo personal lleno de claves autobiográficas, de recuerdos y de huellas familiares particularmente significativas, de pistas psicoanalíticas que alimentan los recovecos mas secretos y mas reveladores de su discurrir. 8 Sorprendentemente todos los personajes resultan estar emparentados por  lazos  tanto reales, entre el director y su largometraje, y ficticios, en los acontecimientos del film y sus historias.

Vemos por ejemplo que ambos nombres protagonistas son palíndromos, capicúa, como el propio Medem. Que la producción del film se basa en un  adolescente desengaño amoroso que sufre Julio Medem, con su vecina. [3]

Toma como referencia a sus parientes cercanos: el actor que representa a Otto de niño es Peru Medem, hijo de Julio Medem. Que la hermana de este se llama también Ana, como la protagonista. Su abuela era del País Vasco, donde se desarrolla la mayoría de la acción.

En la película se cuenta una historia en la cual un granjero vasco rescata a un piloto nazi, llamado Otto,  de un accidente de avión. El protagonista se llama así en recuerdo al soldado. El abuelo de Medem y su padre eran alemanes (como la madre del protagonista y el piloto nazi).

Según Medem, era una manera de juntar los dos lados de su familia. [4]

Dedica el nombre del padre del protagonista, Álvaro, y el nombre de Otto a su hermano  Álvaro Otto Medem. También dedica el nombre de Otto a su tío que fue piloto de la división azul.

 

 

Como dice José Luis Sánchez noriega en su libro ‘Historia del cine’ es un filme doblemente subjetivo, en cuanto contado por los personajes y en cuanto se entremezclan fantasías y sucesos reales, la historia aun aceptando sus reglas de juego, mezcla de realidad y fantasía, del pasado y del presente, de lo onírico y lo misterioso, se apoya en situaciones inverosímiles. Pero no importa, la imagen fascinadora esta por encima de la historia. [5]

¿Cuánto ha influido la simetría de tu apellido en la “circularidad” de tus películas? Muchas gracias por todo tu cine y tu sensibilidad. Soy médico como tú y del mismo año (1958), sólo que de la parte simétrica del mapa.

Desde niños siempre hicimos bromas con mi apellido, de hecho mi hija se llama Ana Medem, totalmente simétrico. Aun así tampoco le he querido dar mucha importancia. Trato de no psicoanalizarme nada para no descubrirme del todo, pero sé que trabajo desde el subconsciente, así que, lo sabrás tú quizás mejor que yo mismo. (Responde Julio Medem en una entrevista virtual del periódico El País). [6]

Dice que la película nació de una obsesión por contar simétricamente algo tan asimétrico como el amor. (Texto: Javier Riyo). [7]

 

‘….siempre es un ideal romántico muy fuerte el que se impone en mi cine. En mis otras películas había mas cosas, obras más visuales, mas atmosféricas, pero cada vez los personajes y sus conflictos tienen para mi mas importancia… tengo cierta frustración con la realidad amorosas y por eso creo que uno se quede colgado en un lugar que se puede llamar circulo polar o de cualquier otra manera.[1]

Pero no debemos dictaminar este film como algo inusual en la filmografía del realizador, sino que suele usar a menudo sus películas como dedicatorias personales. Aparecen obvias referencias a sus anteriores trabajos como Vacas, La ardilla rojaTierra, que solo se descubren al final, en base a la anónima dedicatoria ‘ A memoria de mi padre’, haciéndonos ver el poder subjetivo que tiene Los amantes del circulo polar.

Medem va aún más allá y fuerza una interpretación personal, casi biográfica de la película en relación con su propia historia familiar. [8]

Resulta imposible pasar por alto en esta hermosa, intensa, avasalladora película, el trazado de los riquísimos lazos de parentesco que cruzan de principio a fin, dándole su más potente razón de ser Esta vez es su obra más carnal, más romántica. (Texto Javier Ocaña). [9]

 

REFERENCIAS:

[1]. CAPARROL. JM. Medem el cine de nuestros días, 1994-1998. Editorial Rialp. Madrid. 1999.

[2]. F. HEREDERO, Carlos.  20 nuevos directores del cine español. Editorial Alianza. Madrid.1999.

[3].Lorenza Muñoz (23-04-1999). «Personal Journey of Medem’s ‘Lovers’» págs. F-2. The Los Angeles Times. Consultado el 22-08-2008.

[4].Leslie Camhi (29-03-1999). «Exploring Love in the Arctic, Finding Success in Spain». The New York Times. Consultado el 22-08-2008. (http://www.nytimes.com/1999/03/28/movies/film-exploring-love-in-the-arctic-finding-success-in-spain.html)

[5]. SANCHEZ, José Luis. Historia del cine, ’teoría y géneros cinematográficos, fotografías y televisión.’  Editorial  Alianza. Madrid. 2002.

[6] EL PAIS. Webs virtuales. (www.elpais.com).

[7]. REVISTA. Cinemania. 1997 nº26 NOV

[8]. TURAN, Kenneth. “Review of Lovers of the Arctic Circle.” Review. Los Angeles Times, 22 April. 1999.

[9]. REVISTA. Cinemanía. 1998  nº 36 SEP pág. 81. Javier Ocaña.

 

BIBLIOGRAFIAS:

SANCHEZ, José Luis. Historia del cine, ’teoría y géneros cinematográficos, fotografías y televisión.’ Editorial alianza. Madrid. 2002.

AGUILERA, Christina y DIAS, Nuria. ‘Los directores de cine del siglo XX’. Editorial 2001.  Barcelona. 2000.

F. HEREDERO, Carlos.  20 nuevos directores del cine español. Editorial Alianza. Madrid.1999.

CAPARROL. JM. Medem el cine de nuestros días, 1994-1998. Editorial Rialp. Madrid. 1999.

EXTEBESTE, Zigor. Julio Medem. Colec. Signo e Imagen/Cineastas nº18. Editorial Catedra. Madrid. 2010.

ANGULO, Jesús y REBORDINOS, José Luis. Contra la certeza. El cine de Julio Medem. Edición de la FILMOTECA VASCA y del FESTIVAL DE CINE DE HUESCA. 2005.

TURAN, Kenneth. “Review of Lovers of the Arctic Circle.” Review. Los Angeles Times, 22 April. 1999.

PLATE, S. Brent. “Film Review: Lovers of the Arctic Circle (Los amantes del Círculo Polar).” Journal of Religion & Film 3.2.  1999.

MEDEM, Julio. Los Amantes Del Círculo Polar. Sogetel, Canal Plus (España). Sogepaq. Le Studio Canal Plus. España/Francia. 1998. 

 

WEBGRAFIA: 

 

Martas Comas, diciembre de 2012.

 

 

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El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006)

Reseña de María Zueva:

El laberinto del fauno narra una historia de evasión en un período violento en España, la posguerra Civil Española. La película refleja dos universos paralelos que se chocan: el primero es la cruel realidad, el otro es pura fantasía. Sin embargo, ambos mundos son atroces, despiadados, tenebrosos y casi deshumanizados. Es una obra de género fantástico, pero también es una película calificada como drama de guerra. Por eso es fundamental para entender la obra, entender, conocer, el punto de vista del director acerca del enfrentamiento: «Para mí la Guerra Civil Española, creciendo en Méjico, me resultó muy cercana porque tenía muchos amigos o maestros del cine o gente involucrada en las artes, que eran refugiados o hijos de refugiados. Entonces, uno de ellos, concretamente Emilio García Riera, que era para mi el más grande historiador del cine mejicano de todos los tiempos. Era un tío que se volvió como una especie de figura paterna, cuando estaba empezando yo a hacer cortometrajes y él me hablaba  mucho de ello. Creo que es una guerra que en la imaginación de muchos escritores se ha vuelto muy romántica y muy en blanco y negro. Un poco la última guerra entre el bien y el mal, entre la derecha y la izquierda francamente. No es así, es una guerra infinitamente más compleja evidentemente y no hay tal cosa como blanco y negro, pero sí me pareció que era bastante potente y bastante ignorada por la mayoría del mundo»[1]

La película posee la faceta de cuento de hadas, por lo que era de esperar que se le fuera a comparar con otras películas de la misma índole. En este caso, con la de Andrew Adamson, Las crónicas de Narnia: El León, La Bruja y El Armario. La razón se encuentra en las similitudes de la trama de ambas obras cinematográficas. Dicha semejanza reside en la figura del fauno, que desempeña un gran papel de portero que ofrece indirectamente empezar la aventura. El tiempo de la historia es muy próximo: en el primer caso es el año 1944, mientras que en Narnia es el final de la Segunda Guerra Mundial. Los protagonistas según leyendas o profecías que se cuentan, tienen títulos reales cercanos, es decir, Ofelia es una princesa y los cuatro personajes de Lewis son reyes y reinas. El tema de la fuga de la implacable y dura realidad, que ofrece de cierto modo una manera de aplacar el dolor causado por la pérdida de seres queridos (Es el padre). Todos esos temas hacen pensar que las dos películas narran el mismo cuento, pero de diferente forma. Sin embargo, El laberinto del fauno fue un film de mucho mayor éxito y reconocimiento, que el que tuvo Narnia. Se puede preguntarse uno de por qué eso es así y la respuesta no es del todo fácil.

Es importante señalar la diferencia en la experiencia de ambos directores. Guillermo del Toro, un director mejicano, en cuyo bagaje cinematográfico hay bastantes obras de éxito con un toque fantástico o incluso de terror[2]. Frente a Andrew Adamson, cuya veteranía se resume a las dos animaciones de Shrek y cuya primera película de acción real fue precisamente Narnia. Ya se hace notar la diferencia que va a ser evidente en adelante.

A causa de la importancia de la figura del fauno, hay que fijar la atención en este personaje fabuloso. El fauno de Guillermo del Toro, es alguien singular, una criatura creada en su totalidad por la mente del director, alguien deshumanizado, apegado a la madre naturaleza pero espeluznante a la vez[3]. Él de las crónicas, es básicamente un humano tanto física como espiritualmente, al que le pusieron un par de patas de cabra. Es una criatura sacada de mitología, tal como la representaban los antiguos romanos[4]. Igualmente  hay que señalar que al estar basada la película de Narnia en un libro, tenía que apelarse a él, en otras palabras, no dejaba mucho margen para el reinado de la imaginación propia. Quizás por eso y por otras muchas razones Guillermo del Toro rechazó cuando se le ofreció dirigir dicha obra de fantasía, optando por poner su talento a servicio de El laberinto del fauno haciendo su propia versión de lo que es un cuento de hadas para los niños.[5]

En segundo lugar hay que analizar la paradoja de la evasión. En el primer caso, Ofelia es una niña que lee muchos cuentos de hadas, un personaje que sólo quiere estar con su madre en este pequeño mundo y no necesita nada más. Sin embargo, su madre también es un ser humano, una mujer que ha sufrido a causa de la soledad, después de la muerte de su marido, y ya no le basta con la compañía de su hija. Al otro lado tenemos al nuevo padrastro de Ofelia, capitán Vidal. Es el antagonista de la historia, pero es un malo singular que cree que está haciendo lo correcto. No duda ni lo más mínimo a la hora de ejecutar una orden o actuar. Como el propio actor dijo «Es malo en todos los planos, en todas las situaciones, con todos los personas, consigo mismo, con el entorno también »[6]. Precisamente esta ferocidad hace que el cuento de hadas cobre un tinte de historia mágica para adultos. Pese a esto, el malo de la película no es una madrastra vil, ni una bruja que añora venganza, solamente es un militar que carece de poderes sobrenaturales, pero cuyo sadismo supera con creces al de cualquiera. De una forma alocada cree en sus principios (aunque sean erróneos desde nuestro punto de vista) y actúa en función de ellos. Claramente Ofelia le tiene mucho miedo y escapa de este terror refugiándose en la fantasía.

El caso de Narnia es bastante distinto. La realidad es una breve página que se pasa rápidamente ante los ojos del espectador. Al inicio de la película hay un bombardeo, los niños huyen, gritan, corren, hay mucho ajetreo y caos, pero nada más. (El hecho de las bombas no aparece en el libro de C.S Lewis, es decir, el director lo “inventó” para crear ambiente). Más que reflejo de una guerra, hay un círculo de emociones. Los niños echan de menos a su padre, sufren a causa del enfrentamiento y esperan que este acabe pronto. Lo que es más evidente es la compleja red de relaciones entre los cuatro hermanos, pero también está llena de tópicos, como por ejemplo que los adultos no creen a los pequeños (Lucy les cuenta lo que ha visto). Sin embargo, el tópico anterior proporciona fluidez en la narrativa, puesto que cuando entran en el mundo que para ellos era ficticio, la lógica y la imaginación chocan inevitablemente.
Narnia es una realidad bella, creíble en su ambientación y paisajes, pero sigue siendo una ficción donde los valores como el coraje, la fuerza de voluntad, fraternidad, amistad y amor siempre vencen a la maldad. Uno claramente puede objetar «Demasiado bueno para ser verdad», lo contrario a lo que ocurre en El laberinto del fauno. Hay en Narnia ese último impulso, que de repente le da una fuerza sobrehumana al personaje para vencer a la antagonista y aquí el bien triunfa sobre el mal, que resulta ser otro tópico. Sin embargo, en El laberinto Ofelia acaba falleciendo a manos del capitán Vidal. Es una batalla de dos recursos, la sorpresa contra lo previsible y al espectador le suele sensibilizar más la sorpresa.

« Soy un gran fan de los decorados, un adicto a los decorados, nada sustituye a un lugar real. Hay algo que informa la imagen de manera diferente en un decorado real a uno digital. Yo creo que el digital debe ser el último recurso […] Cada decorado expresa como piensa el personaje […] Cuando ves una película con grandes decorados tiene un perfil más de cine »[7] el comentario que pertenece a Guillermo del Toro íntegramente revela los puntos fuertes de la película. La película se construye sobre una base de decorados más que efectos especiales, los cuales también se utilizan pero en una medida ínfima en comparación con los de Narnia. En este aspecto, el trabajo de Adamson fue mucho mayor, lo hizo bien y precisamente por ello es un experto en la animación y recursos digitales. Pese a ese punto fuerte, se notan los fallos en otras facetas: quítese a Narnia la parte de criaturas fabulosas que se mueven como si fuesen reales y no quedará nada interesante, básicamente en la película. Carece de un tema profundo detrás de este montón de seres mitológicos, tampoco cuenta con recursos formales interesantes o con personajes complejos. Esto no ocurre en El laberinto del fauno. La obra de Guillermo del Toro tiene una historia profunda que se podría explicar durante horas, además muestra cuatro personajes cuyo drama interno es igualmente largo de contar y dispone de unos recursos formales bien empleados que hacen que el espectador contenga el aliento. Resumiendo, es un film de fantasía, pero también es un drama de guerra. Ambas facetas están articuladas de forma singular y puede parecer que no tienen nada que ver una con otra, pero justamente su unión añade algo especial a la película que la hace diferente a las demás. De hecho el mismo director reconoció que fue su mejor proyecto hasta el momento.

Una objeción que añadir, no hay que pensar en Narnia como una película “muy mala”, no es lo que se pretende demostrar. Al contrario, la razón de este análisis es rechazar la comparación entre las dos. Es poco convincente comparar dos películas cuya base cualitativa es bien distinta. Si un largometraje se basa en un libro, lo lógico es que lo siga, puesto que en el caso contrario puede provocar un huracán de crítica negativa por parte del público fanático que la convierta en un fracaso, como ocurrió en numerosos casos. De hecho, el libro de C. S. Lewis es muy escaso en descripciones. [8] Así narra la última batalla en poco más de media página, mientras que en la pantalla ocupa unos 10 minutos o incluso más. Adamson comentó que cuando se le ofreció dirigirla, no pudo rechazar dado que leyó el cuento de niño y quería hacerla, pero escribió sus notas basándose en la impresión que tenía desde su infancia y luego volvió a releer el libro. [9] Por lo tanto, es un tema de inspiración del que se trata aquí. Guillermo del Toro tuvo sus fuentes en la pintura de varios artistas famosos, lo que podemos ver la habitación del hombre pálido, cuando Ofelia mira los frescos, uno se parece mucho a “Saturno devorando a su hijo” de Goya. Lógicamente el conjunto de la literatura infantil también tuvo influencia en el director a la hora de la creación de la imagen fílmica.[10]

La calidad de elementos cinematográficos usados en El laberinto de fauno es muy superior en cuanto al número de recursos utilizados y su manejo. En Narnia vemos una abundancia de primeros planos, de la que carece el laberinto, al contrario se decanta más por los planos medios. En la primera conversación de Ofelia con el fauno, el uso del plano medio es útil, dado que deja a que el espectador vea por encima del hombro de la niña todo el enriquecedor detalle del ambiente y de aquel ser fantástico y sobrecogedor. Cabe señalar que el paso de una escena a otra es mucho más fluido y suave aquí. En cambio en Narnia hay muchos espacios vacíos, que supuestamente sirven para dar ese paso de escena, pero acaban funcionando mal y solo crean sensación de un corte en seco.
El comienzo de la película, con el plano de la niña acostada muriéndose y el tiempo retrocediendo, junto a un giro de cámara, ya de por si intriga, dado que el espectador se preguntará acerca de lo que ocurrió. Otro ejemplo que representaría el elemento clave de intriga, sería la secuencia en la que el médico entrega el paquete a Mercedes  y luego va bajando las escaleras. Primero se nos muestra la frustración de Mercedes, que poco a poco se da una media vuelta, la cámara se desplaza, hay un cambio de enfoque hacia el doctor, que la mira brevemente avergonzado de que no puede hacer nada más y se va. Puesto que no hay un referente que muestre al espectador de qué se trata, cuál es el significado del paquete, qué es lo que hay dentro y para quién es, aparece una dosis nueva de suspense. Mientras tanto, la obra de Narnia carece de elemento sorpresa, salvo aquel recurso de “vencer en el último instante”, muy común en cine de acción o fantasía. Se puede nombrar la existencia de elementos incoherentes, que podrían haber tomado el papel de enigma, pero no lo han hecho, quedándose como puras incongruencias. La razón está en el conocimiento del espectador, el cual si no ha leído todos los libros de la saga, no sabría descifrar de por qué está allí una farola de Inglaterra de finales del siglo XIX y por qué no hay  más farolas así en aquel lugar por ejemplo. Otro fallo que se le puede considerar, es la falta de expresión dramática por parte de Lucy cuando aparece al otro lado del armario. Hace allí demasiado frío para que la niña no se inmute, ni tenga escalofríos, ni se abrace por los hombros, pero en fin es un detalle en el que uno se fija mirando atentamente. Errores así hacen que Narnia se quede únicamente en la pantalla, a pesar de que el espectador sea testigo de su desarrollo narrativo, no siente dicho mundo como real, al contrario de lo que ocurre con El laberinto del fauno.

Por último, El laberinto de fauno es una película de fantasía enteramente hablada en español. Si al hecho anterior se le suma el facto de un éxito internacional enorme, resulta ser una obra única. Exclusiva en tanto que hay bastantes largometrajes extranjeros de este género que han obtenido notoriedad y reconocimiento del público (El mago de Oz, El señor de los anillos, La historia interminable, etc.)  La obra en cuestión, es una de las pocas de este género que fue nominada al Óscar por la mejor película de habla no inglesa.  Guillermo del Toro contó en una entrevista que Stephen King se sentó a su lado en la presentación de la película y cuando aparecía el hombre pálido, sintió como el escritor se retorció. Además posteriormente la calificó como «La mejor película de fantasía desde Mago de Oz».[11]

Siendo espectador, se puede asumir dos posiciones bien distintas. En primer lugar, suponer que lo que ocurre de fantasía, sólo se desarrolla en la mente de la niña, lo que sería por lo tanto una enfermedad psíquica y la balanza del género se inclinaría hacia un drama de guerra puro. En segundo lugar, entender que la ficción es verdad, sólo que nadie más que la niña puede ver ese mundo fantástico. La escena en la que Vidal mira como Ofelia con el bebé en los brazos habla “sola”, no aclara esa paradoja. Se queda en evidencia que la película permite múltiples interpretaciones, un elemento del que Narnia carece.
La escena final, también es muy ambigua. Igualmente deja lugar a dos lecturas. Una primera que sigue el punto de partida de que el mundo está en la mente de la niña, el final por lo tanto, es la muerte de Ofelia y su encuentro con los padres en esa especie de “paraíso”. La segunda interpretación, que sigue la presunción de que la fantasía es real, supone que al morir Ofelia con su sangre abre las puertas del reino y por fin supera la última prueba reuniéndose con sus padres.

Con las comparaciones finalizadas es posible afirmar que la similitud con Narnia sólo reside en el uso de criaturas fantásticas. Incluso esa comparación se puede negar, dado que a C.S Lewis se le criticó por mezclar tanto la mitología romana, la griega y la escandinava, siendo esa la combinación que se llevaron a la pantalla. Mientras que Guillermo del Toro sacó a las criaturas de su memoria e imaginación. Ni siquiera las hadas siguen el tópico. Es un insecto palo que mira la imagen que le enseña Ofelia y adopta la forma más tradicional.Son dos películas que representan de forma diferente los cuentos de hadas, pero no hay que perder de vista que El laberinto del fauno no está basada en ningún libro. Tampoco es una película para niños a pesar de representar el cuento infantil. Estos dos sucesos hacen que se abran muchas puertas temáticas y de representación, dado que se puede meter violencia explícita entre otras cosas.
En definitiva  la aleación de criaturas singulares y sorprendentes, el complejo drama interno de cada personaje, el desarrollo de dos crueles universos paralelos, la fluidez formal, una ambientación tenebrosa, numerosos elementos de intriga y la ambigüedad, da lugar a una película inimitable de fantasía. Una obra que a pesar de tratar temas ya tocados por otras películas, lo hace de una manera insólita y diferente, sin parecerse ni a Narnia, ni a Alicia en el país de las maravillas, ni a otras tantas películas con las que se la pudo comparar.

Bibliografía/Webgrafía

RAMOS, Omar. Estudio comparativo del estilo cinematográfico en dos directores mexicanos contemporáneo. Tesis profesional, licenciatura en Ciencias y Técnicas dela Comunicación. Universidad del Valle de Atemajac, España (2005)

DEL TORO, Guillermo. Guion cinematográfico El laberinto del fauno. Ocho y Medio (1era ed.), España (2006)

DEL TORO, Guillermo. El laberinto del fauno: Making-of. Estudios Picasso, Tequila Gang y Esperanto Filmoj, Méjico-España (2006)

ADAMSON, Andrew. Las crónicas de Narnia: El León, La Bruja y El Armario – Making-of. Buena Vista Home Entertainment, EE.UU (2005)

Sitio oficial para Latinoamérica de la película El laberinto del fauno: http://wwws.la.warnerbros.com/panslabyrinth/

IMDB. El laberinto del fauno : http://www.imdb.es/title/tt0457430/

Diseccionando Fantasías: Los Secretos de Guillermo del Toro – El laberinto del fauno, http://www.youtube.com/watch?v=-GdAX5R5Rug

Entrevista de Larry Carroll a Guillermo del Toro: http://www.mtv.com/news/articles/1544179/pans-labyrinth-director-spills-his-guts.jhtml

Reportaje de Javi Araguz : http://www.fantasymundo.com/articulo.php?articulo=467

Entrevista de Jack Rico a Guillermo del Toro: http://www.youtube.com/watch?v=VxyjYIliyhI

Entrevista de Mark Kermode a Guillermo del Toro http://www.youtube.com/watch?v=iqdEKahV-gs&playnext=1&list=PL8F863CB7B6196951&feature=results_video

El mundo: Encuentro digital con Guillermo del Toro, 2006 http://www.elmundo.es/encuentros/invitados/2006/10/2192/

El séptimo arte, El laberinto del fauno: http://www.elseptimoarte.net/peliculas/el-laberinto-del-fauno-4229.html

Nuckols, Ben.  Artículo “Del Toro crafts a harrowing fairy tale”, 2006. http://starbeacon.com/heat/x343651463/Del-Toro-crafts-a-harrowing-fairy-tale

María Zueva, diciembre de 2012.

[1] DEL TORO, Guillermo. El laberinto del fauno: Making-of. Estudios Picasso, Tequila Gang y Esperanto Filmoj, Méjico-España (2006) Minuto 21:30-23

[2] Para conocer los detalles de la bibliografía y todas las obras de Guillermo del Toro, consultar RAMOS, Omar. Estudio comparativo del estilo cinematográfico en dos directores mexicanos contemporáneos. Tesis profesional, licenciatura en Ciencias y Técnicas dela Comunicación. Universidad del Valle de Atemajac, España (2005) pág 65-66.

[3] A Guillermo del Toro, le  vino primero a la cabeza un fauno apegado al muro de piedra, fundido con él, porque pensaba que el fauno tenía que tener textura de madera, roca. Cubierto siempre de ramas y hongos. El traje en sí tenía que tapar todo el cuerpo y allí residía la dificultad de hacerlo.

[4]  La clásica representación que tenían los antiguos romanos del fauno, es aquel ser que bailaba alrededor del árbol, asociado muchas veces con el dios Pan. Su representación escultural, aunque reconstruida está en la famosa Casa del Fauno de Pompeya.

[5] Artículo de Ben Nuckols «Guillermo del Toro was asked to direct “The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe,” but he turned it down because, as a lapsed Catholic, he couldn’t see himself bringing Aslan the lion back to life.

Instead, he put his dark, fervid imagination to work on an original story, “Pan’s Labyrinth,” a bloody and harrowing fairy tale that incorporates elements from C.S. Lewis’ beloved Christian allegory and various other classics of children’s literature»

[6] DEL TORO, Guillermo. El laberinto del fauno: Making-of. Estudios Picasso, Tequila Gang y Esperanto Filmoj, Méjico-España (2006) Minuto 08:37-08:40

[7] DEL TORO, Guillermo. El laberinto del fauno: Making-of. Estudios Picasso, Tequila Gang y Esperanto Filmoj, Méjico-España (2006) Minuto 20:00-21:10

[8] Había una comparación entre Lewis, cuyas descripciones eran concisas con su amigo Tolkien, quien al contrario describía un lugar gastando páginas enteras.

[9] Así la película de Narnia se hacía sobre un fundamento de lo que la mente del director magnificó cuando leyó el libro de niño. En otras palabras no era representar las páginas del  libro en la pantalla, sino la impresión causada por ellas. De esta forma la mente de un niño podía magnificar la batalla, que en cambio era mucho más corta realmente.

[10] Hay muchas citas en la película a pintores simbolistas, a Arthur Rackham, Goya, entre otros.

[11] Stheven King en su columna de  Entertainment Weekly mencionó la lista de 10 películas interesantes de 2006 y El laberinto del fauno ocupó el primer puesto: «I think this extraordinary R-rated fairy tale for adults is the best fantasy film since The Wizard of Oz. And while it’s much darker than Wizard, it still celebrates the human spirit. Your Uncle Stevie thinks you will see this movie». (http://www.ew.com/ew/article/0,,1569937,00.html)

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